展览 | 约瑟夫·博伊斯：绘画四十载 Thaddaeus Ropac画廊伦敦
约瑟夫·博伊斯：绘画四十载
Joseph Beuys: 40 Years of Drawing
同时呈现感知：博伊斯/葛姆雷——画作间的对话
SENSE: Beuys / Gormley
A conversation through drawing
展期：2023年1月19日至3月22日
Thaddaeus Ropac 伦敦伊利府邸
约瑟夫·博伊斯
《无题(蜂蜜罐)》，1949 年
铅笔、撕开的信封，裱于涂有铁质水彩的纸上
带框:68 x 52.5 x 3 厘米 (26.77 x 20.67 x 1.18 英寸)
Thaddaeus Ropac 画廊欣然呈献“约瑟夫·博伊斯:绘画四十载”大型展览，首次于英国展出来自约瑟夫·博伊斯(Joseph Beuys)遗产近 100 幅纸上绘画作品，这也是 30 年来首次在伦敦举办的聚焦艺术家绘画作品的大型展览。此次展出的手稿作品跨越博伊斯四十年的创作历程:从 1940 和 1950 年代的早期表现主义作品，到 1960 年代中期创作的观念性手稿——这些手稿反映了他在 1970 和 1980 年代创作实践的根本性转变，即手稿成为他的表演和雕塑不可或缺的重要部分。
为庆祝这次重要的展览，知名艺术家安东尼·葛姆雷(Antony Gormley)受邀为一间特别展厅策划展览“感知:博伊斯/葛姆雷 ——画作间的对话”，将博伊斯的手稿与他自己的纸上作品并置展出，彰显博伊斯的艺术遗产对当代众多艺术家的持续影响。
“博伊斯和我都在手稿中发现了肥沃的土壤，它与推动这个世界向前所需要的那些行动齐头并进。”
—— 安东尼·葛姆雷
左图:约瑟夫·博伊斯，《无题》，1954 年, 棕色纸本，水彩，35 x 24.5 厘米(13.77 x9.64 英寸)
右图:安东尼·葛姆雷，《第 20 届血迹场 I》，2021 年, 纸上血迹，19 x 14 厘米(7.48 x5.51 英寸)
博伊斯从未将他的纸上作品看作其他媒介作品的习作或准备材料，相反，他将绘画的过程作为将其概念思维具像化的主要手段。葛姆雷与博伊斯的作品建立了密切的个人联系，他同样将手稿描述为对他更广泛的艺术创作过程至关重要的“具象思考之形式”。于葛姆雷而言，“没有绘画手稿的一天是失败的一天”。
作为战后艺术最前沿的艺术家之一，博伊斯认为手稿是他多维创作实践的基础，这包括他作为雕塑家、先锋行为艺术家、理论家、教师、环保主义者和政治活动家的实践活动。他透过手稿、拼贴画和水彩画实验，为他的观念赋予具体的形式。1993 年纽约现代艺术博物馆(MoMA)为博伊斯的手稿举办了专门的展览，奠定该类展览的基础，联合策展人安·特姆金(AnnTemkin)回忆说:“认识博伊斯的人都说他一直在画画;他在旅行、看电视、私人讨论和表演时都在画画。手稿于博伊斯而言就像呼吸，是他内在的东西。”
“手稿是我的第一件有形作品......想法的第一个可见之物，从不可见的力量到可见之物的变化点......它记录下一个特殊的想法被带到一个表面，不管这种表面是平的还是圆的，不管它有像黑板一样的固体支架，还是像皮革或羊皮纸一般的柔软，抑或任何一种表面。”
—— 约瑟夫·博伊斯(1984年)
展出的手稿作品采用不同的媒介创作，包括铅笔、水彩、有机物拼贴和艺术家标志性的混褐色(Braunkreuz)颜料，充分展现博伊斯在艺术创作中对非传统材料的运用。正如毛毡和脂肪在他的雕塑作品中蕴含丰富的象征意义，其手稿中所包含的物质通过其有形的物质性产生意义。富含铁化合物的颜料象征与血液有关的生育能力，而金色的水彩颜料则与炼金术的转化有关。
同样，博伊斯认为“混褐色”(Braunkreuz)不仅仅是一种颜色，也是“雕塑性的表达”，连接着他艺术实践的不同面向。
“约瑟夫·博伊斯:绘画四十载”探讨了手稿在博伊斯漫长的艺术创作过程中不断演变的角色。以 20 世纪 40 年代中期他在杜塞尔多夫知名的国家艺术学院入学为起点，到 1986 年他去世前的作品为结束。20 世纪 40 年代的手稿和植物拼贴画彰显博伊斯早期对对人类、动物和自然环境之间深刻的相互关系的浓烈兴趣。动物——包括雄鹿、麋鹿、海豹和蜜蜂——作为与基督教、凯尔特人的民间传说、德国浪漫主义和自然科学有关的高度编码符号出现，亦被视作博伊斯对第二次世界大战的个人和国家创伤经历的精神解药。
约瑟夫·博伊斯
《无题》，未注明日期
铅笔，不透明的水彩，黄色纸本
23 x 16.5 厘米(9.06 x 6.5 英寸)
自二十世纪五十年代起，博伊斯持续通过女性裸体的主题对战后重建的精神形式展开探索。女性形象透过稀疏的铅笔线条和薄薄的水彩颜料呈现，鲜活的形象跃然纸上，成为联结精神与世俗世界的桥梁。这些人物往往抱着孩子，身旁的羊水瓶与她们夸张的臀部形状相呼应，她们的身体经常被作品的动态构图所裁剪，以此作为生育和再生的象征。
《无题(女孩)》(Untitled (Girl)), 1956年
铅笔、纸本
作品:29.7 x 21 厘米 (11.69 x 8.27 英寸)
带框:68 x 52.5 x 3 厘米 (26.77 x 20.67 x 1.18 英寸)
1960 年代，博伊斯的绘画方法发生了重大的转变，重新致力于政治相关的主题。他积极投身于跨学科的激浪派(Fluxus)运动，创作了与他新兴的表演实践相关的“乐谱”(观念性草图)。最早的艺术表演作为对德国分裂背景的回应，也被称为“行动”(Actions)，常围绕欧亚大陆的主题，在博伊斯的政治和精神改革项目中，欧亚大陆的陆地被援引为一个乌托邦式的无边界国家。
1967 年创作的《无题(欧亚大陆的乐谱)》(Untitled (Score for Eurasienstab)与同名行动有关(1967 年在维也纳演出;1968 年在安特卫普演出)。在表演中，博伊斯用一根杖象征性地将超级大陆的四个角落结合起来，一根带钩的棒杆将德国的轮廓与亚洲连接，由杖的进一步迭代所构建的交错结构与十字架相呼应，代表重生。这些元素在博伊斯对同类主题的持续探索中反复出现，其中包括收入纽约现代艺术博物馆永久收藏的重要雕塑作品《欧亚大陆西伯利亚交响曲 1963》(Eurasia Siberian Symphony 1963，1966 年)。该作品集合一系列物件，包括刻有超大陆板块之名的黑板和一个截断的十字架图像，将欧亚大陆主题的视觉语言置于他更广泛的艺术创作模式中。
在博伊斯整个职业生涯中，他孜孜不倦地探索绘画实践的创新。于 20 世纪 70 年代起，他将创作的空间扩展至公共领域，展出的黑板正是其最佳代表之一。这些黑板是艺术家在向现场观众演讲时使用的工具。演讲时，博伊斯用白色粉笔在黑板上绘画，他称之为“听觉”手稿，并坚信概念可以超越语言以图形的形式来传达。
约瑟夫·博伊斯
《是关于一辆自行车吗?III》(Is It About A Bicycle? )，1982 年
粉笔、颜料、黑板
黑板:150 x 122 厘米 (59.06 x 48.03 英寸)
带框:160 x 131 x 4 厘米 (62.99 x 51.57 x 1.57 英寸)
在他艺术生涯的最后十年，博伊斯回归早期的主题，并在后期的作品中对它们进行重新想象。展出的一幅无题拼贴画为这种创作周期性的典范之作，从一本螺旋装订的笔记本上撕下，这幅创作于 1949 年的作品描绘了鹿角麋鹿的头和颈部。1981 年，该图像被转译为石版画版本，随后，博伊斯将这幅手稿张贴于一张更大的纸上，并覆盖一片郁金香树的干叶，与他早期的植物拼贴作品相呼应。原作的第二次生命证明了博伊斯的信念:“手稿对我有特殊的意义，因为在早期的手稿中......一切都揭示着它的原理。”
展览“约瑟夫·博伊斯:绘画四十载”将展示博伊斯在其作品中反复探讨和重新想象的主题、材料和技术，并印证手稿在其艺术创作方法中的首要地位。
关于艺术家
约瑟夫·博伊斯(Joseph Beuys)
约瑟夫·博伊斯的众多作品以人道主义、社会哲学和人类学为基础，这些概念在博伊斯将“艺术的扩展定义”(extended definition of art)和社会雕塑(social sculpture)作为整体艺术(gesamtkunstwerk)的思想理念中达到顶峰，他声称这些作品在塑造社会和政治方面具有创造性及参与性作用。他在战后德国的重建时期崭露头角，并宣称艺术在社会的精神复兴中(与唯物主义文化相反)以及保护环境方面具有独特的作，并致力于将只存在于艺术家群体中的创造能力注入生活的各个领域。博伊斯将艺术视为社会弊病的解药:一种积极的治疗力量，可以唤醒个人创造力、激发政治意识并刺激社会变革。
博伊斯使用了多种高度符号性的材料，例如毛毡、油脂或蜂蜜，这些材料与他创作内容中萨满教义方面密切相关(包括表演、演讲和教育行动)。他对能量的产生、存储和传输的兴趣表明了他对自然力量的广泛思考。教学是他艺术实践的基本要素，他的反官僚主义哲学观促使他积极投入辩论和政治活动，旨在通过民主讨论实现社会变革。在 1972 年和 1977 年的文献展上，他将政治带入了传统的艺术领域，通过将自己的展览场地转变为辩论和讨论的空间，密切关注从人权到生态环境等各种问题。
博伊斯于 1921 年出生于德国克雷菲尔德。1961 年，他被杜塞尔多夫艺术学院(DüsseldorfArt Academy)任命为纪念性雕塑教授(Professor of Monumental Sculpture)，在那里他成为了新兴德国艺术家中一位鼓舞人心且极具超凡魅力的核心人物。在此期间，他成为了新成立的激浪派(Fluxus)运动中的一员，这是一个以伍珀塔尔(Wuppertal)为基地的国际艺术家网络。在 1970 年代，博伊斯的活动被明确地政治化。他创立了自由国际大学(Free International University，FIU)进行创造力和跨学科研究(Creativity and Interdisciplinary Research)，并通过公民投票建立了直接民主机构(Organisation for Direct Democracy)，后来加入了德国绿党。1979 年，他在纽约所罗门·R·古根海姆博物馆(Solomon R. Guggenheim Museum)举办大型回顾展，该展奠定了博伊斯在国际上的声誉。自 1986 年艺术家去世之后，他的作品已在世界各地的众多博物馆展览中展出，包括在马德里索菲亚王后国家艺术中心博物馆(MuseoNacional Centro de Arte Reina Sofia);巴黎蓬皮杜中心(Centre Pompidou);伦敦泰特现代美术馆(Tate Modern);墨尔本维多利亚国家美术馆;杜塞尔多夫北莱茵-威斯特法伦艺术品珍藏馆(Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen);汉堡车站美术馆(Hamburger Bahnhof);以及爱丁堡苏格兰国立现代美术馆(Scottish National Galleryof Modern Art)。2021 年，多个大型机构举办了丰富的展览、表演、讲座与活动以庆祝这位艺术家 100 周年的诞辰。
安东尼·葛姆雷(Antony Gormley)
安东尼·葛姆雷因其研究人体与空间关系的雕塑、装置和公共艺术品而誉满全球。他的作品自20 世纪 60 年代以来，透过批判性介入自己和他人身体，直面人类与自然和宇宙的关系的基本问题，从而挖掘雕塑的潜力。葛姆雷视艺术空间为一个可以不断衍生新行为、思想和感觉的地方。
葛姆雷的作品在英国和国际上被广泛展出，展览地点包括辛德芬根 SCHAUWERK 博物館(SCHAUWERK Sindelfingen, Sindelfingen)(2021 年)、伦敦皇家艺术学院(RoyalAcademy of Arts, London) (2019 年)、希腊提洛岛(Delos, Greece) (2019 年)、意大利乌菲兹美术馆(Uffizi Gallery, Florence) (2019 年)、费城艺术博物馆 (PhiladelphiaMuseum of Art) (2019 年)、上海龙美术馆(Long Museum, Shanghai)(2017 年)、佛罗伦斯观景城堡(Forte di Belvedere, Florence) (2015 年)、瑞士伯尔尼保罗·克勒中心(Zentrum Paul Klee, Bern, Switzerland)(2014 年)、圣保罗、里约热内卢及巴西利亚的巴西银行文化中心(Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo, Rio de Janeiro and Brasília)(2012 年)、汉堡堤坝之门美术馆(Deichtorhallen, Hamburg)(2012 年)、圣彼得堡埃尔米塔日博物馆(The State Hermitage Museum, St Petersburg)(2011年)、奥地利布雷根茨美术馆(Kunsthaus Bregenz, Austria)(2010 年)、伦敦海沃德美术馆(Hayward Gallery, London)(2007 年)、瑞典马尔默艺术画廊(MalmöKonsthall, Sweden)(1993 年)，及丹麦厄勒海峡海岸的路易斯安那现代艺术博物馆(Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Denmark)(1989 年)。其永久展出的公共展品包括:《北方天使 (Angel of the North)》(英国盖茨黑德)(Gateshead,UK)、《另一个地方(Another Place)》(英国克罗斯比海滩)(Crosby Beach, UK)、《澳大利亚境内》(西澳大利亚巴拉德湖)(Lake Ballard, Western Australia)、《曝光》(荷兰莱利斯塔德)(Lelystad, Netherlands)，以及《和弦(Chord)》(美国剑桥麻省理工学院)(Massachusetts Institute of Technology, Cambridge, USA)。
- 画廊地址 -
伦敦伊利府邸 | LONDON ELY HOUSE
37 Dover Street, London W1S 4NJ
+44 (0)20 3813 8400
巴黎玛黑 | PARIS MARAIS
7 Rue Debelleyme, 75003 Paris
+33 (0)1 42 72 99 00
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